La tradicional convivencia entre imagen y música: un breve recorrido histórico de Pitágoras a Edison

La relación entre música e imagen existe desde la Antigüedad. Tradicionalmente, creadores de diferentes ámbitos como la pintura, la literatura o la música imaginaron, como afirma Ana María Sedeño, "una música de colores para el ojo o una música tonal para el oído". Dicha utopía estética queda representada en las armonías de color y sonido, así como sus correspondencias entre olores y colores, propuestas por Aristóteles y Pitágoras.

Originalmente, la música no quedaba delimitada a su propio ámbito, sino que se proyectaba en otras disciplinas. Como bien explica Lewis Rowell en su Introducción a la filosofía de la Música, se la consideraba valiosa por su "capacidad de despertar, complacer y regular el alma y de producir buenas cualidades en sus oyentes", pero también se desconfiaba de ella por su "capacidad de sobreestimular, drogar, distraer y llevar a excesos a la conducta". Podía encontrarse en el timbre de la voz, las matemáticas o el teatro: desde la recitación poética –la musicalidad era imprescindible para la memorización– hasta las primeras representaciones escénicas donde música y dramaturgia se unían mediante la danza. Su práctica más directa estaba en los rituales dionisíacos, sirviendo "para apaciguar y aliviar los sentimientos", "purificando las almas". Según Platón en su obra capitular La República o el Estado, la gimnasia era a la educación del cuerpo lo que la música a la formación del alma.

Ya en el s. XVI, con el Renacimiento como recuperación de la cultura clásica, Giuseppe Arcimboldo manifestó su interés sobre las "correspondencias sensoriales, de las posibles equivalencias entre colores y sonidos". La relación entre música y pintura le llevó a establecer una teoría de la armonía cromática. Su invención del "clavicémbalo de colores" combinaba sonidos, luces y sombras. Este hito puede relacionarse con el piano de luces de Alexander Scriabin, que proyectaba luz mientras sonaba, sirviendo para experimentos multi-sensoriales como Prometeo (1910). Scriabin creía en la conexión entre las artes y las diferentes percepciones. Un siglo y medio posterior a Arcimboldo, el matemático jesuita Louis Bertrand Castel ideó su proyecto del "clave ocular" (1725), haciendo "visible el sonido" y convirtiendo los ojos en "confidentes de todos los placeres que la música puede ofrecer al oído". Su tesis influyó en compositores como Grétry, cuya Analogie des couleurs avec les sons (1769) dice: "el lenguaje del músico es el mismo que el del pintor". La historia de la música ejemplifica esta simbiosis entre música y pintura con obras como Cuadros de una exposición (1874), donde Modest Mussorgsky musicaliza obras pictóricas de Víktor Hartmann.

El sentido de "lo pictórico" y de lo "literario" queda asociado al ámbito escénico en músicos como Berlioz, para quien la instrumentación representaba en música lo mismo que lo poético en el ámbito literario o en "el colorido en la pintura". Su Sinfonía fantástica (1830), es exponente de la música programática, donde la evocación visual se produce mediante la capacidad expresiva de la música. Berlioz destacó a Wagner por "pintar el espacio y la profundidad", por lo que no es extraño que el compositor alemán aunara las diferentes disciplinas en la "obra de arte total" (Gesamtkunstwerk). A su cohesión hay que añadir el dominio de cada una, supervisando sus óperas de principio a fin.

Para Kandinsky, la "composición escénica" también será "la primera obra del arte monumental", argumentando que el aprendizaje de las artes debía ser recíproco. La relación que establece entre visualidad y sonoridad se encuentra influida por la obra Thought-Forms de Annie Besant y Charles Webster Leadbeater (1902), precursores al defender la posibilidad de generar imágenes abstractas mediante la meditación, el pensamiento, las emociones y la música.

La capacidad para asociar sonido e imagen refiere al concepto de sinestesia, cuyo significado etimológico equivale a la unión de sensaciones de diferentes dominios sensoriales. Los fundamentos de la sinestesia fueron desarrollados por el pintor y poeta romántico Philip Otto Runge, para quien la música era la "armonía en las tres artes" –poesía, arquitectura y pintura–, y afirma: "Tiene que verse música a través de la letra de un poema igual que tiene que verse la música en una pintura bella".

La conjugación de las artes dará un paso más con la invención del cine a finales del s. XIX, convirtiéndose en heredero del teatro como representación de los distintos ámbitos artísticos. El nacimiento del cine fue "uno de los mayores logros alcanzados por la humanidad", siendo "la vida misma en movimiento".

Teatro y cine se disputaron su público potencial. No obstante, el cine primitivo carecía de un elemento fundamental: la sonoridad. Desde la invención del cinematógrafo, se probaron diferentes tentativas para introducir el sonido en el cine, buscando mayormente registrar fragmentos escénicos pertenecientes al género lírico. De nuevo, el teatro musical como amalgama de disciplinas y antecedente del cine. Por otro lado, los problemas técnicos produjeron la sustitución de estos sistemas por el acompañamiento musical en directo, a cargo de orquestas, conjuntos instrumentales, órganos o pianos.

Este recorrido histórico muestra la importancia de la música en diferentes vertientes, desembocando en su unión con la imagen cinematográfica, donde finalmente se hizo indispensable.